Early Music Today

프라이부르크 바로크 오케스트라 내한공연

연주일시 : 2008년 3월 26일 8시

연주장소 : 예술의전당 콘서트홀

연주곡목 : 잡다하게

좋은 기억을 안겨준 연주회를 돌이켜보면 다음 두 가지로 범주화 시킬 수 있는 것 같다. 익숙한 것에 대한 새로운 시각을 보여준 연주회, 낯선 작품을 쉽게 이해시키고 몰입하도록 만든 연주회.
바흐, 핸델, 비발디 바로크 삼총사가 아닌 상대적으로 덜 알려진 드레스덴 작품들이 중심이 된 프라이부르크 바로크 오케스트라의 연주회는 굳이 이야기하자면 생소한 작품에 초점을 맞췄다. 요한 다비트 하이니헨의 대 협주곡과 함께 직간접적으로 드레스덴 오케스트라와 관련이 있었던 텔레만의 모음곡과 협주곡, 빌헬름 프리데만 바흐의 신포니아 등이 선곡되었다. 유일하게 대중적인 작품이라면 바흐의 유명한 두 대의 바이올린을 위한 협주곡일 것이다. 여기에 핸델의 오페라 아리아들이 고명처럼 얹혀졌다.
연주회장은 음악사 공부하는 곳이 아니라고 불평하는 사람도 있는 모양이지만 연주력이 뛰어나다면 익숙한 레퍼토리인지 아닌지는 별로 중요하지 않다. 고음악이라는 개념도 없던 시절에 내한한 레자르 플로리상이 연주하는 샤르팡티에와 퍼셀에 청중들이 숨죽일 만큼 감동받은 사실은 무엇으로 설명할 것인가?
라인하르트 괴벨과 무지카 안티콰 쾰른 이후 완벽한 기술, 격렬한 속도와 다이나믹, 예각적인 아티큘레이션 그리고 그 모든 것을 아우르는 이지적인 해석으로 대표되는 소위 독일적 바로크 해석의 큰 흐름은 이제 베를린의 아카데미 퓌어 알테 무지크 그리고 프라이부르크 바로크 오케스트라가 계승하고 있다. 매너리즘화 되었다는 비판에도 불구하고 이러한 해석은 전통을 자랑하는 영국 바로크 앙상블에 대해서는 과감성 측면에서, 신진 이탈리아 앙상블에 대해서는 구조에 대한 이해라는 측면에서 상대적인 우위에 있는 여전히 유효한 방법론이다.
연주회의 시작은 다소 불안했다. 풍부한 경험에도 불구하고 고트프리트 폰 데어 골츠는 그날따라 미스가 많은 자신의 바이올린 연주가 신경 쓰였는지 오케스트라를 장악하는데 어려움을 겪었다. 똑같은 장소에서 베를리너 바로크 졸리스텐을 여유 있게 리드한 폰 데어 골츠의 스승, 라이너 쿠스마울이 떠올랐다. 당시 베를리너 바로크 졸리스텐은 평균적으로 더 나이든 연주자들이었음에도 불구하고 각 성부의 자발성도 뛰어났고 훨씬 생기 있는 앙상블을 들려주었다. 프라이부르크 바로크 오케스트라의 구원자는 아이러니하게도 맨 뒷줄의 내추럴 호른 주자들이었는데 그 원초적인 우렁찬 음향과 완벽한 음정은 텔레만의 모음곡과 마지막 하이니헨의 협주곡에서 열광적인 반응을 이끌어 냈다.
바소 콘티누오는 유감스럽게도 리듬감이 부족했다. 테오르보는 거의 있으나 마나한 존재로 전락했다. 홀이 너무 컸다고 지적할 수도 있겠지만 그보다 훨씬 열악한 곳에서도 더 좋은 바소 콘티누오 연주를 들은 기억이 있다. 바소 콘티누오의 리듬감은 특히 바흐가 대위법에 집착한 것만큼이나 리듬을 사랑한 텔레만을 제대로 연주하기 위한 필수요소이다.
연주관습적인 측면에서 바흐의 유명한 느린 악장을 별다른 장식 없이 연주한 것에 주목할 필요가 있다. 우리가 연주회장에 가는 이유는 음반과 다른 실연만의 묘미가 있기 때문이다. 보편적이고 완결된 연주를 담아내야 하는 음반과 달리 청중 앞에서는 모험이 필요하다. 혹시 실수가 있더라도 실연의 열기가 이를 보완해줄 것이다. 드레스덴 궁정악장 피젠델은 느린 악장을 아름답게 장식하는 것으로 명성을 얻었지만 바로 그 때 피젠델의 그림자를 찾아보기란 어려웠다.
한편 핸델 아리아 연주에서 비올라를 제외한 것도 지적하고 넘어갈 부분이다. 비올라 파트가 따로 없더라도 베이스 라인을 옥타브 위로 중복하는 것은 상식적인 연주관습이다. 골츠가 이를 몰랐을 리가 없고 특별한 이유가 있을 것이라고 생각되는데 연주가 끝난 다음에  여기에 대해 지적한 연주 평이 하나도 없다는 사실이 오히려 놀랍다.
프라이부르크 바로크 오케스트라는 최근 녹음한 음반에서도 기술적으로는 뛰어난데 점차 틀에 박히고 있다는 느낌을 주고 있다. 연주회장에 앉아있으면서 오래 전 피젠델 협주곡 음반을 듣고 받은 충격과 신선함에 대한 갈증이 끓어올랐다. 한때 독일적 매너리즘을 타파할 수 있을 것으로 기대되었던 악단이 이제는 남은 반찬을 다시 데워서 내 놓고 있다. 그들은 아직 젊기 때문에 언젠가 연주회장에서 다시 만나 모험심과 창의가 발휘된 진실의 순간을 함께 할 수 있길 바란다.

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Jordi Savall & Hesperion XXI

연주일시 : 2005년 5월 19일

연주장소 : LG아트센터

연주곡목 : 잡다하게

최근 서양음악계의 가장 큰 움직임 가운데 하나가 옛 음악 부활운동이라는 사실은 아무도 부인하지 못할 것이다.
그리고 그 움직임은 과거의 작곡가들이 어떤 소리를 의도하고 어떤 악기를 연주했을까라는 고고학적인 관심을 넘어서서 옛 악기의 음향과 옛 음악의 어법을 습득하여 오늘날의 음악적인 표현을 다양화 하는 방향으로 나아가고 있다.
조르디 사발과 에스페리옹21 또한 과거를 그대로 재현하는 것에 머무르지 않는다. 12세기 갈리시아의 음유시인 마르틴 코닥스의 ‘칸티가스 데 아미고’에서부터 아랍과 유태 음악을 거쳐 르네상스와 바로크 시대에 이르기까지 오늘날 음악의 근원이 되는 수백 년에 걸친 다채로운 음악의 뿌리를 탐구한다.
그들이 사용하는 악기와 어법은 분명 과거의 것이지만, 그들이 들려주는 생생한 음악은 분명히 현재적이다. 에스페리옹 21은 과거의 음악이 박물관의 전시품이 아니라, 여전히 살아 숨쉬고 있는 전통이라는 사실을 아름다운 음악으로 웅변하고 있다. 또한 중세 유럽음악과 영향을 주고받았던 여러 문화권의 음악을 들려줌으로써 문화적 다양성이 갖고 있는 힘을 보여준다.
두 가지 비올라 다 감바와 아르파 도피아(옛날 하프), 테오르보(저음 류트), 다르부카(아랍의 작은 북)를 비롯한 다양한 타악기가 합주하는 장면은 옛 음악에 익숙한 사람이든 그렇지 않은 사람이든 모두에게 진귀하고 소중한 경험이 되었을 것이다.
오랜 동료인 하프의 앤드류 로렌스 킹과 테오르보의 에두아르도 에구에즈가 한자리에 모이지 못한 것이 조금 아쉽다. 조르디 사발은 신중하면서도 빛나는 활놀림으로 명성이 헛되지 않음을 보여준다.
세계적인 옛 타악기 주자, 페드로 에스테반의 신들린 듯한 손놀림은 어떤 단순한 악기도 예술 그 자체로 변모시키는 놀라운 힘을 지녔다. 조르디 사발의 부인이자 음악적 동료로서 30년 이상 옛 음악 부활에 힘을 쏟은 소프라노 몬세라트 피구에라스의 목소리는 여전히 젊고 청아했다. 그녀가 부르는 이베리아와 지중해권의 유대인 음악은 놀라울 정도로 다양한 색채와 강한 호소력으로 청중을 감동시켰다.
에스페리옹21의 이번 내한 연주는 너무 학구적이지도, 너무 대중적이지도 않은 세심한 선곡이 돋보였는데 앞으로 남은 순회연주에서 매번 조금씩 다른 선곡을 들려준다고 하니 더욱 기대가 된다.
과거를 돌아보고 다양한 문화의 근원을 탐구함으로써 차이를 이해하고 존중하는 것은 옛 음악 운동의 중요한 성과이고 지금 우리에게 필요한 것도 바로 그런 점이 아닐까 싶다.
그런 의미에서 이번 조르디 사발과 에스페리옹21의 연주회가 단순히 일회성 이벤트로 그치는 것이 아니라 우리의 전통문화에 대해, 그리고 우리와 주변 문화와의 관계에 대해, 다시 한번 생각해보는 기회가 되었으면 하는 바람이다.

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Nikolaus Harnoncourt & Concentus Musicus Wien

연주일시 : 2006년 11월 25일

연주장소 : 예술의 전당 콘서트홀

연주곡목 :
W.A. 모차르트
주일의 저녁기도
레퀴엠

모차르트를 둘러싼 수많은 고정관념에도 불구하고 지휘자 니콜라우스 아르농쿠르에게 모차르트는 몬테베르디나 바흐처럼 여전히 현재진행형인 작곡가다. 그런 점에서 아르농쿠르가 25일 첫 내한공연(예술의전당 콘서트홀)에서 사람들이 기대했던 순수 오리지널 악기를 사용하지 않은 점은 주목할 만 하다.

고전 관악기를 사용하면서 현악 파트에 바로크 활에서 현대적인 투르트 활까지 섞어 쓴 절충주의는 18세기 사운드의 색채를 유지하면서 큰 홀에 대응하려는 고육책일 수도 있다. 그러나 모차르트가 시작하고 그의 제자 쥐스마이어가 끝낸 <레퀴엠>이라는 작품이 대전환기의 한 가운데 서 있다는 사실을 이보다 더 극명하게 보여주는 방법이 또 있을까?

아르농쿠르는 악기 하나하나보다는 모차르트의 메시지와 어법에 집중했다. 아르농쿠르는 <레퀴엠>이 작곡자가 스스로를 이야기하는 유일한 작품이라고 말한 바 있다. 바로 그 이야기를 설득력 있게 들려주기 위한 수사법이 아르농쿠르 해석의 핵심이다. 모차르트는 가사와 음악을 철저하게 연관시켰기 때문에 아르농쿠르 또한 수사학적으로 필요한 부분을 강력하게 강조하는데 주저함이 없다.

2003년 빈 실황 녹음과 비교해 볼 때 템포나 전반적인 분위기는 유지하되 표현은 더욱 풍부해졌다. 다이나믹의 예상치 못한 변화는 다양한 감정의 흐름을 만들어 낸다. 그 광포함에서 지상에 내려온 신의 투쟁을 연상했다면 과장된 표현일까? 천둥 같은 금관은 뒤통수를 후려치고 현악기는 그 어떤 표정도 지을 수 있다. 독창자들의 연극적인 가창은 ‘투바 미룸’ 악장에서 절정을 이룬다. 일치되고 초점이 또렷한 합창은 에너지를 마음대로 긴장시키고 이완시킨다.

또한 아르농쿠르는 ‘무음상태’의 가치를 재발견한 드문 지휘자다. 그는 몇몇 악장 사이에 의도적으로 긴 휴지를 두고 의미를 부여했다. 이를테면 ‘키리에’와 ‘디에스 이레’ 사이의 휴지는 자비와 분노 사이에 있는 심리적 간격을 상징하며 온갖 초조한 마음을 불러일으킨다. 아르농쿠르가 음악이 아닌 그림을 그렸다면 분명 거기에는 갖가지 상징과 알레고리가 가득할 것이다.

그것이 모차르트의 의도든 쥐스마이어의 의도든 간에 ‘레퀴엠 에테르남’과 ‘키리에’ 악장은 마지막 ‘룩스 에테르남’에서 반복된다. 육화한 신이거나 혹은 그의 평범한 제자거나 피할 수 없었던 반복되는 고단한 일상은 마침내 고조되는 음조와 성스러운 화음 속에서 구원을 맞이한다.

적어도 그 순간만큼은 죽은 자뿐만 아니라 지금 음악을 듣고 있는 산 자를 위한 시간이며 인간이 숭고해지는 드문 시간이기도 하다. 그 고요한 찰나조차 허락하지 못하는 박수와 환호와 플래시 세례가 우리를 다시금 구질구질한 일상으로 되돌아오게 만들기 전까지는 분명히 그렇다. 결국 인간은 인간일 뿐이다. 신이시여 저희를 긍휼히 여기소서. 아멘.

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Giuliano Carmignola & Venice Baroque Orchestra
 
연주일시 : 2008년 10월 29일

연주장소 : 예술의 전당 콘서트홀

연주곡목 :
안토니오 비발디
리피에노 협주곡 RV121, RV168
신포이나 RV149
바이올린 협주곡 e단조 RV273
바이올린 협주곡 "사계"
 
비 발디의 협주곡 "사계"를 연주할 때 누군가는 소리를 들려주고 누군가는 풍경을 보여준다. 그리고 줄리아노 카르미뇰라와 베니스 바로크 오케스트라는 한편의 연극을 펼쳐보였다. 연주회 프로그램은 상당히 폭넓은 선곡을 담았다. 메인 이벤트는 아무래도 유명한 "사계"지만 타르티니를 연상시키는 창의와 자유로운 서정미가 넘치는 비발디 최만년의 협주곡 e단조도 주목할 만한 작품이었다. 카르미뇰라는 스스로 밝힌 바와 같이 그리고 연주회에서 상당히 모던하게 세팅된 바이올린을 들고 나선 것처럼 자신의 연주 스타일을 바로크에 한정짓지 않았다. 화려한 슬러 스타카토와 활 켜는 위치를 폭넓게 바꿔가며 들려주는 만화경 같은 음색에서 바로크와 현대를 아우르는 그의 오랜 통찰력을 읽을 수 있었다. 베니스 바로크 오케스트라는 같은 무대에 섰던 어떤 시대악기 단체보다도 완벽한 인토네이션과 신선한 화음을 들려주었다. 전반부를 구성하는 리피에노 협주곡에서 그 다이나믹의 변화와 감미로운 음색에 매혹되지 않은 이는 없을 것이다. 자연스럽게 굴곡진 다이나믹은 루벤스의 그림을 보는 듯 풍만한 느낌을 선사했다. 한 대의 첼로와 한 대의 비올로네로만 구성된 베이스 파트는 비록 수는 적지만 굉장한 뉘앙스를 지닌 연주를 들려주었다. "사계"의 여름과 겨울에서 들려준 바이올린과 첼로의 열정적인 대화는 지금 이 순간에도 다시 듣고 싶어진다. 류트 주자가 즉흥적인 바소 콘티누오 연주를 예술의 경지로 끌어올린 반면 하프시코드는 연주 내내 거의 두드러지지 않은 아쉬움이 있다. 카르미뇰라는 "사계"를 기승전결의 구조를 가진 완결된 극, 인생의 은유로서 바라보는 것 같다. 계절과 계절  사이사이에 박수를 치지 못하게 한 것도 그러한 이유에서일 것이다. 악보는 흔한 "르 센" 판본을 사용했지만 카르미뇰라는 다양한 음악적 창치와 표현을 통해 비발디 음악에 연극적인 특성을 부여했다. 그리고 그 연극의 주인공은 단연 카르미뇰라이다. 변화로 가득한 움직임이 많은 연주 스타일, 그의 표정과 몸짓과 보잉 하나하나가 연극적인 연출에 힘을 더한다. 비발디가 본질적으로 오페라 작곡가라는 사실이 새삼스럽게 마음에 다가왔다. 빠른 악장에서는 순간적인 정지와 아고긱으로 마음을 사로잡고 느린 악장에서는 자유롭게 부유하는 리듬으로 표정이 풍부한 연주를 이끌어낸다. 다가오는 폭풍우를 묘사한 "여름" 느린 악장의 깜짝 놀랄 만한 효과는 다양한 극적 효과의 일부에 불과하다. 줄리아노 카르미뇰라는 새로운 판본, 특이한 시도, 기묘한 음향, 별난 장식음, 요란한 바소 콘티누오, 낙차 큰 다이나믹, 펑크머리가 21세기 비발디의 전부가 아님을 성공적으로 입증했다. 일류 단체가 연주하는 "사계"를 많이 봐 왔지만 카르미뇰라와 베니스 바로크 오케스트라는 그 중에서도 음악적으로, 해석적으로, 기술적으로 가장 성숙되고 완성도가 높은 연주를 들려주었다. 지나치게 긴장시키지 않으면서 모든 청중을 몰입시킨 연주로 언제까지나 추억할 만한 밤을 선물했다.

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